La commedia dell’arte, nota anche come «commedia all’italiana», era una rappresentazione teatrale umoristica eseguita da attori professionisti che viaggiarono in compagnia in tutta Italia nel XVI secolo.
Gli spettacoli si sono svolti su palcoscenici temporanei, per lo più per le strade della città, ma occasionalmente anche in sedi di tribunale. Le compagnie migliori – in particolare Gelosi, Confidenti e Fedeli – si esibirono nei palazzi e divennero famose a livello internazionale una volta che si recarono all’estero.
Musica, danza, dialoghi spiritosi e ogni tipo di inganno hanno contribuito agli effetti comici. Successivamente, la forma d’arte si diffuse in tutta Europa, con molti dei suoi elementi persistenti anche nel teatro moderno.
Dato il vasto numero di dialetti italiani, come si farebbe capire una compagnia di viaggi?
A quanto pare, non è stato fatto alcun tentativo di cambiare il dialetto dello spettacolo da regione a regione.
Anche quando una compagnia locale si è esibita, gran parte del dialogo non sarebbe stato compreso. Indipendentemente dalla regione, il personaggio spesso usato il Capitano avrebbe parlato in spagnolo, il Dottore in bolognese e l’Arlecchino in parole senza senso. L’attenzione si è concentrata sull’attività fisica, piuttosto che sul testo parlato.
L’impatto della commedia dell’arte sul dramma europeo può essere visto nella pantomima francese e nell’arlecchino inglese. Le compagnie d’ensemble si esibivano generalmente in Italia, anche se una compagnia chiamata commedia all’italiana fu fondata a Parigi nel 1661. La commedia dell’arte sopravvisse all’inizio del XVIII secolo solo grazie alla sua vasta influenza sulle forme drammatiche scritte.
Non c’erano set elaborati in commedia. La messa in scena, ad esempio, era minimalista, con raramente qualcosa di più di un mercato o scena di strada, e le fasi erano spesso strutture esterne temporanee. Invece, è stato fatto un grande uso di oggetti di scena tra cui animali, cibo, mobili, dispositivi per l’irrigazione e armi. Il personaggio Arlecchino aveva due bastoncini legati insieme, che hanno prodotto un forte rumore all’impatto. Da qui è nata la parola «slapstick».
Nonostante il suo spirito esteriormente anarchico, la commedia dell’arte era un’arte altamente disciplinata che richiedeva virtuosismo e un forte senso del gioco d’insieme. Il talento unico degli attori della commedia era quello di improvvisare la commedia attorno a uno scenario prestabilito. Durante l’atto, hanno risposto l’un l’altro, o alla reazione del pubblico, e hanno fatto uso di lazzi (speciali routine provate che potevano essere inserite nelle rappresentazioni in punti convenienti per intensificare la commedia), numeri musicali e dialoghi improvvisati per variare il avvenimenti sul palco.
Le maschere hanno costretto gli attori a proiettare le emozioni dei loro personaggi attraverso il corpo. Salti, ruzzoloni, gag (burle e lazzi), gesti osceni e buffonate slapstick sono stati incorporati nei loro atti.
Gli attori della commedia rappresentavano tipi sociali fissi. Questi tipi includevano tipi fissi, per esempio, vecchi sciocchi, servi subdoli o ufficiali militari pieni di falsa spavalderia. Personaggi come Pantalone (l’avaro mercante veneziano), Dottore Gratiano (il pedante bolognese) o Arlecchino (il malizioso servitore bergamasco), iniziarono come satire sui «tipi» italiani e divennero gli archetipi di molti dei personaggi preferiti del XVII – e il teatro europeo del XVIII secolo.
Arlecchino era il più famoso. Era un acrobata, uno spiritoso, infantile e amoroso. Indossava una maschera da gatto e abiti colorati e portava una mazza o una spada di legno.
Brighella era la amica di Arlecchino. Era più birichino e sofisticato, un cattivo codardo che avrebbe fatto qualsiasi cosa per soldi.
Il Capitano (il capitano) era una caricatura del soldato professionista: audace, spavaldo e codardo.
Il Dottore (il dottore) era una caricatura di un sapere pomposo e fraudolento.
Pantalone era una caricatura del mercante veneziano, ricco e pensionato, meschino e avaro, con una giovane moglie o una figlia avventurosa.
Pedrolino era un sognatore dalla faccia bianca e dalla luna e il precursore del clown moderno.
Pulcinella, come si è visto negli spettacoli English Punch and Judy, era una megattera piccolissima con il naso storto. Era uno scapolo crudele che inseguiva belle ragazze.
Scarramuccia, vestito di nero e con in mano una spada appuntita, era il Robin Hood dei suoi tempi.
Il bel Inamorato (l’amante) aveva molti nomi. Non indossava maschera e doveva essere eloquente per eseguire discorsi d’amore.
L’Inamorata era la sua controparte femminile; Isabella Andreini era la più famosa. La sua serva, solitamente chiamata Colombina, era l’amata di Arlecchino. Spiritosa, brillante e dedita agli intrighi, si è sviluppata in personaggi come Harlequine e Pierrette.
La Ruffiana era una vecchia, o la madre o una pettegola del villaggio che ha contrastato gli amanti.
Cantarina e Ballerina prendevano spesso parte alla commedia, ma per la maggior parte il loro lavoro era cantare, ballare o suonare.
C’erano molti altri personaggi minori, alcuni dei quali erano associati a una particolare regione d’Italia, come Peppe Nappa (Sicilia), Gianduia (Torino), Stenterello (Toscana), Rugantino (Roma) e Meneghino (Milano).
Il pubblico è stato in grado di cogliere il tipo di persona che gli attori rappresentavano attraverso l’abito di ogni personaggio. Per l’elaborazione, capi larghi si alternavano a abiti molto aderenti e stridenti contrasti di colore contrapposti a abiti monocromatici. Fatta eccezione per l’inamorato, i maschi si identificavano con costumi e semimaschere specifici per i personaggi.
Lo zanni (precursore del clown), come ad esempio Arlecchino, sarebbe immediatamente riconoscibile per via della sua maschera nera e del suo costume patchwork.
Sebbene l’inamorato e i personaggi femminili non indossassero né maschere né costumi unici per quel personaggio, certe informazioni potevano ancora essere ricavate dal loro abbigliamento. Il pubblico sapeva cosa indossavano tipicamente i membri delle varie classi sociali e si aspettava anche che determinati colori rappresentassero determinati stati emotivi.
Tutti i tipi di personaggi fissi, le figure del divertimento o della satira, indossavano maschere di cuoio colorate. I loro opposti, tipicamente coppie di giovani amanti attorno ai quali ruotavano le storie, non avevano bisogno di tali dispositivi. Nel moderno teatro artigianale italiano, le maschere sono ancora create nell’antica tradizione della carnacialesca.
L’inclusione di musica e danza nella performance di commedia richiedeva che tutti gli attori avessero queste capacità. Spesso alla fine di un brano, anche il pubblico si è unito alla festa.
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